TRIENAL DE CHILE / Cap. 3 ¿A quién benefició la Trienal de Chile?

Como “La decepción de la temporada” fue calificada la Trienal de Chile en el periódico “La Tercera”, mientras que en la revista “Qué pasa” el artista y docente chileno Carlos Navarrete define así este evento:

“Al terminar el año y recordar la primera versión de la Trienal de Chile, me invade la tristeza por el modo en que se desperdició una buena oportunidad de acercar el arte contemporáneo a personas que habitualmente no están en contacto con él. La muestra fue una serie de exposiciones aisladas que nunca lograron una coherencia desde el punto de vista curatorial o simplemente expositivo. Si hay un elemento que ha hecho de este formato un sello distintivo, es el marco educacional, pero eso brilló por su ausencia en esta muestra, lo que sumado a una serie de trabajos mediocres y otros ya vistos no constituye aporte alguno."

De lejos las exposiciones: “Lo Impuro y lo Contaminado 3. Pulsiones (Neo)Barrocas en las Rutas de Micromuseo” del Perú y “Una mirada múltiple, el Museo del Barro” de Paraguay fueron los únicos proyectos relevantes en una [primera] Trienal de Chile que en un obsesivo afán de internacionalización descuidó totalmente el impacto local y la propuesta pedagógica.

La Trienal parece haber sido diseñada para la inauguración, para la foto de sociales con la presidenta y la ministra de cultura. El único punto de información sobre este encuentro en todo Santiago lo pudimos encontrar en el aeropuerto internacional Arturo Merino Benítez, dejando en claro el tipo de público objetivo buscado.

Sin embargo, ¿A quién benefició la Trienal de Chile?. Esta es la pregunta que hace la periodista Carolina Lara B. en un artículo aparecido en el diario “El Mercurio” del 7 de diciembre pasado. Texto que copiamos íntegramente.

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¿A quién beneficia la Trienal de Chile?

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Ayer culminó el evento Bicentenario de artes visuales, que, bajo la curatoría del ministro de Cultura paraguayo, Ticio Escobar, hizo visible internacionalmente a la escena chilena.

Carolina Lara B.
El 10 de octubre, a días de inaugurarse la Trienal de Chile, se realizó en Lota una de las reuniones más significativas de este gran evento de artes visuales. Invisible a los medios de comunicación, tenía a Ticio Escobar revelando a unos pocos asistentes que su participación como curador general no pretendía colaborar con una imagen país.

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Sin protocolos, explicó además cómo este esfuerzo llegaba a un público generalmente desinformado sobre arte contemporáneo, con exhibiciones y acciones que respondían a necesidades sectorizadas. Dos problemáticas esenciales quedaban allí de manifiesto: cómo sirve un acontecimiento así al país y cómo sirve a sus ciudadanos. Lo que pareciera ser un mismo fin para cualquier bienal o trienal, se vio escindido aquí por un programa nacional que tuvo aciertos e impacto en el circuito artístico, pero que careció de un proyecto educativo paralelo.

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Fue un privilegio para Chile contar en la Trienal con un equipo de curadores clave en las lecturas de arte latinoamericano actual, desde Ticio Escobar hasta Gabriel Peluffo (Uruguay), Roberto Amigo (Argentina), Aracy Amaral (Brasil), Fernando Castro (España), Gustavo Buntinx (Perú) y Osvaldo Salerno (Paraguay), sumando desde acá a Nelly Richard y Justo Pastor Mellado, quien finalmente se marginó.

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Con una curatoría inicial centrada en Santiago (a cargo de la portorriqueña Mari Carmen Ramírez) que fracasó, la Trienal fue replanteada en 2008 como un proyecto país que también sufrió la crisis financiera global. Al bajo presupuesto -que llegó principalmente del Estado frente a la baja de la empresa privada- se sumaron la dimisión de importantes artistas (Eugenio Dittborn y Carlos Leppe), y la crítica a la burocratización y a la "política" de las improvisaciones. El dedo apuntó a la directora ejecutiva, María José Fontecilla, y a la ministra de Cultura, Paulina Urrutia.

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Fue como si la Trienal llegara a desnudar la situación del arte chileno, las carencias de la institucionalidad y de las políticas culturales. El llamado de Escobar a "explorar los límites del arte" desde un territorio frontera, con un diagrama descentralizado que incluyó a países vecinos, develaba nuestros propios límites.

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En Iquique, Antofagasta, Concepción, Temuco y Valdivia se realizaron trabajos de artistas extranjeros en residencia, intervenciones en el espacio público, exposiciones patrimoniales, ciclos de video, seminarios y parte del Coloquio Internacional, en apoyo a escenas de arte contemporáneo emergentes pese a la falta de escuelas de arte universitarias (en el norte), de museos especializados, de galerías y publicaciones.

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En Santiago, las exhibiciones apuntaron a revisar los inicios decimonónicos de un arte nacional ("Territorios de Estado") y los archivos de nuestra ultra-teorizada neovanguardia ("El espacio insumiso"), así como a calibrar temas y autorías de la escena chilena actual ("El terremoto de Chile"). Los envíos del Museo del Barro de Paraguay y de Micromuseo de Perú nos abrieron a experiencias museales que cruzan tanto lo contemporáneo como lo indígena, lo popular, lo precolombino y colonial. Un sesgo poético y político-social tuvo además "Aiwin. La imagen de la sombra" (en Santiago, Temuco y Traiguén), donde fotógrafos mapuches aficionados retrataron su cotidianidad. Mientras que en Valparaíso, un circuito de exhibiciones e intervenciones esbozó una lectura del arte latinoamericano desde documentos de grupos de resistencia y vanguardia.

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Sin artistas ni exposiciones dignas de espectáculo internacional, el sello de los curadores generó un discurso de arte contemporáneo en el contexto de mercado, de crisis de las bienales y de precariedad local, quebrando hegemonías y recuperando tanto un trabajo de archivo como la experiencia estética.

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Más de cien mil visitas en dos meses es considerado aquí un éxito. La Bienal de Mercosur (realizada en forma paralela en Porto Alegre, Brasil, con un curador chileno, Camilo Yáñez, y una argentina, Victoria Noorthoorn) tuvo 306 mil en sólo 39 días. Fue más que una cifra: la llegada del público estuvo sostenida por un proyecto pedagógico central.

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Claro que esta primera Trienal removió al medio artístico local y dio visibilidad internacional a un país más consciente de que el arte es un capital de encuentro y desarrollo. Sin embargo, ¿no terminó más bien siendo un "monumento artístico" para promover la vanidad estatal? ¿A quién sirvió realmente todo este esfuerzo?

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LO QUE FALTA

Parte de la muestra del Museo del Barro sigue en Espacio Arte Abierto (Banco Itaú) hasta el 8 de enero, día en que partirá en Lota el Encuentro de Escuelas de Arte.

BREVES: JUSTO PASTOR MELLADO EN TUCUMÁN / SI NO VUELVO... BÚSQUENME EN PUTIS. DOMINGO GIRIBALDI / LAS CARAS DE JANO

JUSTO PARTOR MELLADO -curador independiente, crítico e historiador del arte chileno- dictó el 04 de noviembre pasado en la Universidad Nacional de Tucumán, Argentina, la charla “El curador y el arte contemporáneo”.

En el marco de esta charla, el diario tucumano La Gaceta hizo una entrevista a Pastor Mellado bajo el título: “Las obras de arte ilustrativas se someten a la moda”. Aquí se hace una reflexión sobre las escenas locales y su contexto, indudablemente Tucumán es una de las provincias de la Argentina que más importancia tiene en el contexto y la historia del arte latinoamericano.

Pastor Mellado ensaya de esta forma sobre la escena tucumana:

“Siempre he tenido información sobre cómo funciona la escena tucumana. Desde hace años, artistas tucumanos muy significativos son conocidos en el plano nacional y regional. No cabe duda que Tucumán está en el mapa. Sin embargo, percibo que hay una gran fragilidad institucional para sostener las experiencias de autonomía y de aceleración formal. Tucumán reproduce una paradoja extraordinaria: posee artistas de reconocimiento nacional; posee espacios de desarrollo significativo en cuanto a avances formales; posee experiencias de autonomía que han sido fundamentales en determinados momentos; y sin embargo, la escena local está dominada por una especie de alianza inconsciente entre una academia tardo-moderna y una institucionalidad político museal que no logra recomponer ni su propia tradición. Lo que advierto es la gran fuerza expansiva de las experiencias autónomas y de autoproducción de conocimiento, ligadas a las iniciativas de antiguos miembros de La Baulera, del ya mítico Taller C, de la enseñanza y producción audiovisual -pienso en Ana Claudia García- y de la crítica local, por supuesto. Sin embargo, esta fuerza expansiva carece de consolidación hacia el interior. Hasta el momento, las escena tucumana es de exportación, y los conservadores del sector cultura no reconocen que es gracias a estos esfuerzos que Tucumán está en el mapa.”

La entrevista completa se puede leer aquí.

SI NO VUELVO... BÚSQUENME EN PUTIS es el nombre de la exposición de Domingo Giribaldi que anunciamos anteriormente y que se viene llevando a cabo en El Centro de la Imagen en Miraflores.

Las fotos dan cuenta del viaje testimonial de Giribaldi y miembros del EPAF (Equipo Peruano de Antropología Forense) a la fosa común ubicada en Putis, Ayacucho.

Esta exposición tiene un carácter itinerante pues no solo se podrá ver en diferentes partes del Perú, también la muestra viajará a los EE.UU., donde se exhibirá del 13 al 15 de noviembre en la Universidad de Georgetown, en asociación con Advocacy Project en Washington, D.C., y del 19 al 21 de noviembre en la Universidad de Colorado en Boulder, en asociación con Denver Justice and Peace Committee.

En la nota de prensa podemos leer:

“Las fotografías de Giribaldi revelan la desolación, el vacío y el aislamiento de una comunidad que, como tantas otras en el Perú, no ha perdido la esperanza de encontrar a sus muertos. El objetivo principal de esta exposición es sensibilizar a la opinión pública frente al tema de los desaparecidos y sus familiares.”

Hasta el 19 de noviembre, en el Centro de Imagen, se podrá ver esta exposición.

LAS CARAS DE JANO es el nombre de la exposición colectiva inaugural de la Galería Amelia Pinzás que se podrá ver hasta el 26 de noviembre en su local (Cajamarca 202, Barranco).

Esta muestra cuenta con la participación de: Jack Caballero, Gustavo Emé, Renzo Nuñez Melgar, Akira Chinen, José Luis Carranza, Asad López de Castilla, Jairo Robinson, Jorge Miyagui, Eduardo Cochachin, Iván Fernández-Dávila, Vladimir Ramos, Robert Orihuela, Luis Valle, Fredy López y John Chauca.

Justamente uno de los expositores, el pintor Iván Fernández-Dávila, fue el encargado de elaborar el texto de presentación, aquí podemos leer:

“A la mezquindad del medio, la inestabilidad económica y la soledad inherente a este modo de vivir se agregan la incomprensión y la tentación de caer en lo fácil, en la complacencia, para satisfacer un afán de reconocimiento fugaz o una real urgencia material. Estos jóvenes pintores que inauguran la nueva Galería de Arte Amelia Pinzás lo saben. Y sin embargo, el gran retrato que emerge de la conjunción de todas las pinturas expuestas, no decepciona. Ya lo dijo el viejo maestro Lucian Freud: “Todo es autobiográfico y todo es un retrato”.”

Una muestra, y un nuevo espacio, que vale la pena visitar.

BREVES: EL SÍNDROME SALTIMBANQUI EN ARTES VISUALES / TANAKUY / EL MUSAC EN LIMA

El curador y crítico chileno Justo Pastor Mellado ha colgado en su portal, el día de hoy 30 de octubre del 2008, un texto muy pertinente: EL SÍNDROME SALTIMBANQUI EN ARTES VISUALES.

La relación e interacción entre los espacios de arte autónomos, y auto-gestionados, y el aparato cultural del estado está redefiniendo y re-habituando la oferta y difusión cultural en muchos lugares de Latinoamérica.

En muchos contextos mantener un espacio o proyecto autónomo y no caer atrapado por la oficialidad es un grandísimo mérito. Sin embargo, el mérito mucho mayor es que un espacio autónomo, ya recibiendo apoyo gubernamental o privado, mantenga un punto de vista crítico y cerebralmente autónomo.

El estado y sus políticas culturales suelen ser, mayormente, totalizadoras y caudillistas (en países donde existen estas políticas, no en el Perú donde el I.N.C., y su directora, continúan con la opción política de la total ineficacia).

Ante este panorama podemos expresar algunas reflexiones: ¿De qué forma podemos sacarle la vuelta al estado y las empresas privadas?, ¿cómo podemos utilizar a estas instituciones sin que estas nos utilicen a nosotros?, ¿cómo no vender el alma al diablo?.

A continuación una fracción del texto de Pastor Mellado:

“En una ocasión, una alta autoridad del sector cultura me llamó severamente la atención por mi ausencia de inteligencia emocional para tratar con los aparatos del Estado. Es decir, nunca entendí que había que plegarse ante los deseos de unas jefaturas cuya consigna es aplicar unos planes, en cuya formulación la arbitrariedad y desconocimiento de campo son de antología. ¡Que duda cabe! La desinteligencia respecto de esa emocionalidad es la única garantía que se puede tener para sobrevivir en el trato con ese rango de sub-autoridades. “

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“En todo gran proyecto de artes visuales, los funcionarios de cultura saben que el primer objetivo de su gestión consiste en rebajar su alcance mediante la “saltimbanquización” o “pequeña-gigantización” de sus prácticas. En verdad, esta ha sido la única política exitosa. De ahí la extrema dificultad para mantener micropoliticas de afirmación de las autonomías, en un contexto en que la disolución de la densidad se sostiene por la obsecuencia y defección de la mayoría de los agentes del espacio artístico.”

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Coincidiendo con el doscientos veinte ocho aniversario de la sublevación de Túpac Amaru II, este martes 4 de noviembre a las 7:30 p.m. se inaugura en su Paradero Habana de MICROMUSEO ("al fondo hay sitio"), Espacio de Arte del Café Bar Habana(Calle Manuel Bonilla 107, Miraflores), una exposición insólita: Takanakuy. Puñetes y patadas a 3600 m.s.n.m.

Daniel Contreras y Sophia Durand son los curadores de este impresionante proyecto, quienes registraron, rastrearon e investigaron las peleas rituales celebradas durante cada Navidad en el poblado de Santo Tomás y en el aledaño caserío de Llique, en las alturas de Chumbivilcas, a trece horas de la ciudad del Qosqo (Cusco).

En el catálogo que acompaña esta exposición podemos leer el texto de los curadores:

“El rito se convirtió en violencia y la violencia en una fiesta. Un espectáculo tan humano como la sangre que hierve entre los cuerpos enfrentados en medio de un círculo humano que se irá reduciendo hasta la asfixia. Los teniente-gobernadores que harán de árbitros repartirán chicote para evitarlo.”

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“La emoción será permanente y violenta: se cuenta de muertes y graves accidentes. Por eso está prohibido atacar al caído: mandarlo a la tierra ya asegura la victoria. Y entonces del gesto feroz se pasará al abrazo y la sonrisa.”

La inauguración de esta exposición incluye un duelo a realizarse en el mismo espacio por los hijos de Chumbivilcas radicados en Lima. Advertencia de los curadores: “Quienes asistan lo harán a su propio riesgo.”

Mañana, viernes 31 de octubre a las 7:00 p.m, en el Centro Cultural de España de Lima, Rafael Doctor, Director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), ofrecerá la conferencia: “MUSAC. El museo del presente”.

El MUSAC fue inaugurado físicamente en el 2005 con la vocación de convertirse en un “Museo del Presente”. Aunque Rafael Doctor ya llevaba entonces años trabajando para la Junta de Castilla y León en la puesta en marcha de este museo.

Se trata de un ambicioso proyecto museístico que pretende desarrollar un nuevo comportamiento a la hora de abordar y exhibir el arte del siglo XXI: “La redefinición de la idea clásica de Museo se llevará a cabo a través de una colección pendiente casi exclusivamente de lo creado en este mismo tiempo, y de la elaboración de diversas actividades que hagan comprensible la obra a un amplio sector del público” explica Doctor.

“Un museo puede ser muchas cosas de la misma forma que puede ser de muchas cosas. El que ahora presentamos está centrado en la actividad artística desarrollada en un período que nos atrevemos a definir como “presente” y nace con la intención de ser una herramienta activa dentro del panorama artístico al quiere representar. Aunque su estructura es clásica -espacio, colección y estudios en relación a la misma- pretende cuestionar en cierta medida la estructura base en la que se asienta este concepto para poder adaptarse lo más posible a las necesidades que exige la nueva época en la que nace y se desarrolla” aclara el director del MUSAC.

Indudablemente una cita imperdible.

Más información:
El arte del presente en la mira. Entrevista por Gonzalo Galarza Cerf. El Comercio, jueves 30 de octubre del 2008.

BREVES: REVISTA DE TEORÍA DEL ARTE DISPONIBLE EN FORMATO DIGITAL / LA IMPORTANCIA DE LAS BITÁCORAS DE ARTE EN EL PERÚ

REVISTA DE TEORÍA DEL ARTE DISPONIBLE EN FORMATO DIGITAL

La Revista de Teoría del Arte, editada por el Departamento de Teoría de las Artes de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, que ya cuenta con ocho años de existencia, ahora estará disponible, y podrá leerse, en formato digital a través del portal de noticias de este departamento.

Tal de indica en este portal: “[…]. Por ello, a contar de marzo de este año se podrán descargar, mes a mes, los artículos del último número de la Revista de Teoría del Arte desde el banner ubicado al costado derecho del sitio web de dicho departamento.”

Actualmente se puede descargar el articulo de Pablo Oyarzún: "Brentano, Kleist y una marina de Friedrich".

LA IMPORTANCIA DE LAS BITÁCORAS DE ARTE EN EL PERÚ

El joven curador Miguel López colgó hace algunos días en Arte Nuevo una reflexión sobre la importancia, y relevancia, que puede tener bitácoras como Arte Nuevo en el contexto de la crítica de arte.

A los largo de nueve puntos se detalla la importancia de Arte Nuevo como un espacio que desde su aparición, hace más de dos años, dinamizó, aperturó y democratizó las deliberaciones y reflexiones sobre el arte peruano y latinoamericano, interés que esta bitácora Escuela de mArte comparte y persigue.

La pertinencia de esa bitácora, en un primer momento administrada exclusivamente por López, es plantear la discusión teórica en lenguaje cercano, alejado de patrones altamente retóricos. La idea de un lenguaje fresco y espontáneo que se puede rastrear en Esfera Pública y ocasionalmente en el portal del crítico chileno Justo Pastor Mellado es una pauta común.

Propuesta recientes como la revista Juanacha, y propuestas del recuerdo cercano como Arte Marcial (en su versión impresa), dinamizan y/o dinamizaron, la discusión y ensayo en torno al arte contemporáneo. Sin embargo la frescura y renovación constante es la característica inagotable de plataformas virtuales.

Tal como podemos leer en el quinto punto:

“En ese mismo sentido abrir un blog era apuntar a que era posible consolidar una voz crítica a través de medios legítimos de discusión, intentando reactivar la figura del crítico ya no como un rector que aprueba o desaprueba la producción desde la distancia ‘autorizada’ de un medio de prensa, sino como un sujeto involucrado directamente con la escena.”

Existe un denominador común en nuestro medio: La incapacidad de generar debate sobre arte peruano contemporáneo desde las escuelas de formación artística (cuyo tradicionalismo, mayormente, es su causa y efecto) y desde la única escuela de formación en [historia] del arte (cuyo colonialismo centrípeto es su característica). Se trata de espacios institucionales que teóricamente no aportan mucho (por no decir nada).

Es este contexto, descrito en el párrafo anterior, bitácoras sobre arte peruano y latinoamericano son medios y plataformas para poner ideas en discusión, generar debate y dinamizar esta pequeña escena.

En el siguiente enlace se pueden leer estas “9 notas personales en torno, a través y en relación al blog como espacio crítico” escritas por Miguel López en octubre del 2007.

GUSTAVO BUNTINX / JUSTO PASTOR MELLADO / CARLOS RUNCIE TANAKA. Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka (Registro)

Gustavo Buntinx, chofer de MICROMUSEO ("al fondo hay sitio"). Acaba de colgar hace unos días el registro de la visita guiada a Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka. Visita donde interviene Buntinx, curador de esta exposición, el teórico y curador chileno Justo Pastor Mellado y el propio Runcie Tanaka.

A continuación este registro, dividido en tres partes, y la sinopsis preparada por Buntinx, y que puede leerse en “Videos en cabina” del portal de MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").

GUSTAVO BUNTINX / JUSTO PASTOR MELLADO / CARLOS RUNCIE TANAKA
Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka (Visita guiada)
2006.
Video. 28:01". (Primera parte: 9:16". Segunda parte: 9:10". Tercera parte: 9:35") (Cámara y edición: Mariana Tschudi, Artchivo [www.artchivo.com])
Colección MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").

Registro y edición de la última visita guiada a la exposición antológica de Carlos Runcie Tanaka, curada por Gustavo Buntinx y acogida por el Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos (Lima, Perú) entre mayo y julio de 2006. En el recorrido interviene también, incisivamente, Justo Pastor Mellado, el reconocido teórico y curador chileno. El video fue confeccionado por Mariana Tschudi, del colectivo Artchivo. A continuación el texto de pared que recibía a los visitantes de esa muestra (respetamos sus altisonancias tipográficas):

SUMBALLEIN es la raíz griega tras la etimología de la palabra SÍMBOLO. Con ella los antiguos aludían a la identidad surgida del acto de JUNTAR o REUNIR los fragmentos de un objeto previamente FRACTURADO para facilitar el reconocimiento mutuo de quienes custodiaban sus partes. El concepto se vincula a los RITUALES de sectas y sociedades secretas, adquiriendo incluso una connotación RELIGIOSA que se prolonga en los usos posteriores del término. Como se prolonga también en la labor de quienes hacen del QUIEBRE y RECOMPOSICIÓN de sus obras un ABISMAMIENTO espiritual y filosófico para el quehacer plástico.

CARLOS RUNCIE TANAKA (Lima, 1958) es acaso el artista peruano que con mayor rigor e insistencia ha intuido las posibilidades y DESAFÍOS de esa PRAXIS específica. Hasta el punto en que hoy es posible articular desde esa perspectiva una visión CRÍTICA de su producción tan diversa. Una "ANTOLOGÍA ROTA", como lo anuncia el título mismo de esta exposición, cuyo horizonte abarca veintiocho años de una de las trayectorias más complejas y significativas en nuestra escena. El resultado ensaya una lectura distinta de obras principalmente identificadas con la producción cerámica, cuyos sentidos aquí se hilvanan desde la experiencia reiterada del DESMEMBRAMIENTO y RECONFIGURACIÓN de sus piezas: más que una metáfora, la materialización misma –literal y figurada– de una INTENSIDAD personal y social en las vidas simultáneas del artista y del país.

Una producción que suele apreciarse por sus cualidades culturales más antropológicamente ABSTRACTAS, se ve en realidad atravesada por connotaciones HISTÓRICAS cuya dolorosa contemporaneidad, sin embargo, no cancela sino RADICALIZA sus referencialidades primeras. Piezas donde las representaciones más ARCAICAS se hilvanan con las sensaciones más descarnadamente ACTUALES. Sin perder, empero, las connotaciones otorgadas por la propia MATERIALIDAD del barro, esa materia prima y PRIMORDIAL cuya inmediatez ORGÁNICA remite a nuestra gran tradición cerámica, desde sus orígenes prehispánicos hasta su vigencia artesanal.

Temporalidades TRASTOCADAS que Runcie Tanaka pone conflictiva aunque ceremonialmente en escena mediante el rescate sistemático de piezas REVENTADAS o rotas, castigadas por el fuego o por el azar objetivo –pero de inmediato valoradas por el autor en su presencia FISURADA.

Al articular una significación ARTÍSTICA propia, ese gesto aporta también a la comprensión profunda de la DENSIDAD de nuestros procesos a lo largo de un cuarto de siglo marcado por transformaciones decisivas y VIOLENCIAS inauditas. Pocas obras como las de Carlos Runcie Tanaka ponen en tan sutil pero RADICAL evidencia las tensiones e intensidades de nuestra EXTREMIDAD cultural. E HISTÓRICA. Modernidades truncas, tradiciones rotas, comunidades hechas pedazos. Y sin embargo recompuestas en la DOLIDA dimensión UTÓPICA de estas piezas. Sumballein". (Gustavo Buntinx).

BREVES: JUSTO PASTOR MELLADO Y MICROMUSEO / LEIDER CALVA GUERRERO: ÓLEO Y ESTÉTICA PARA LA LUCHA / COMBO MIX. UNA EXPOSICIÓN BIEN TAYPA!

JUSTO PASTOR MELLADO Y MICROMUSEO

El crítico y curador de arte Justo Pastor Mellado hace un comentario en su portal sobre el proyecto MICROMUSEO (“al fondo hay sitio”), su chofer Gustavo Buntinx, y su participación en la Bienal de Valencia 2007: “En esa ocasión, Buntinx montó la experiencia extraordinaria que realiza desde hace años en Lima: MICROMUSEO. En lo que a mi respecta, monté junto a Ticio Escobar una obra-institucional que denominamos Complejo Museo del Barro. Pero en Buenos Aires, coincidimos en la reunión anual del Proyecto de Archivo Digital que desarrollamos en el marco del Instituto de Arte Contemporáneo de las Américas (ICAA). Buntinx dirige el equipo de investigadores peruanos que estará encargado de realizar el relevamiento de la bibliografía del arte peruano contemporáneo. El equipo chileno, dirigido por Alberto Madrid, ya ha entrado en la etapa de conclusión de su trabajo, así como el de Argentina y México. Junto al de Perú, han comenzado a operar los equipos de Brasil, Venezuela y Colombia.”

Posteriormente hace algunas reflexiones sobre la idea de “intervención extranjera” y sobre E.P.S. Huayco, “[…] que en los setenta-ochenta establecen las coordenadas de una contemporaneidad peruana que se trama con experiencias nuestras, formando un mapa de productividades que no es tomado suficientemente en cuenta por la endémica historiografía local.”

El texto completo puede ser consultado aquí.

LEIDER CALVA GUERRERO: ÓLEO Y ESTÉTICA PARA LA LUCHA

En el portal del Partido Comunista del Perú –Patria Roja- hacen un comentario sobre la obra del artista cajamarquino Leider Calva Guerrero, quien a su corta edad llena su obra de intencionalidades e inquietudes, tal como el mismo se define: “Mis cuadros reflejan una realidad que no es ajena al mundo que diariamente recorremos, lo que echo es mirar y sentir la realidad que vivimos y sentimos a diario y transportarla a un lienzo lo que muchas personas se niegan a ver y en el trayecto de la vida terminan siendo cómplices”.

Más adelante añade: ““Mi inspiración esta basada en la clase obrera campesina, las organizaciones sociales, a los maestros consecuentes y luchadores generadores de mentes revolucionarias, a las rondas campesinas, digna de admiración de justicia social y aquellas personas desamparadas que solo les queda reclamar en las calles arriesgando hasta su vida”, señala en un claro compromiso social que va de la mano con la estética en su arte.”

El texto completo puede ser leído aquí.

COMBO MIX. UNA EXPOSICIÓN BIEN TAYPA!

El artista Coco Polar, miembro de “El Colectivo” es el curador de la exposición COMBO MIX, que se inaugura el martes 11 de diciembre, a las 8pm, en el Centro Cultural INTECI.

Esta exposición platea un dialogo entre los artistas y los alumnos de cocina del Instituto INTECI, quienes han sido convocados a participar. El curador al referirse a esta muestra nos dice: “[…], pretende reunir miradas distintas que formulen un discurso tan cotidiano y popular como la comida misma.”

Los artistas participantes son: Nancy Viza, Jaime Domenack, Víctor Acosta, Guillermo Quiroz y Valentino Sibadon.

Esta exposición puede verse hasta el 11 de enero del próximo año.