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9.2.09

YURI SONCCO: GENERANDO UN CAMBIO EN LAS PUERTAS DE LAS FLORES. POR: SONIA PÉREZ UNZUETA

En el marco de la exposición YURI SONCCO "En la Puerta de las Flores", de la artista Katia Céspedes, a continuación un texto de Sonia Pérez Unzueta que hace una reflexión sobre esta muestra inaugurada el pasado 6 de febrero en el Centro Cultural de San Marcos.

Yuri Soncco: Generando un cambio en las puertas de las flores

Por: Sonia Pérez Unzueta

Llegué a la inauguración de la exposición Yuri Soncco “En las puertas de las flores”, con el ánimo de observar piezas escultóricas creadas a partir de la experiencia de la artista, Katia Céspedes, con niños que padecen la grave enfermedad de la anemia aplásica. Sin embargo, más allá de ver las piezas, me detuve a descubrir con desgarro las historias de muchas familias que han pasado por la pérdida de sus pequeños hijos.

El arte como medio de catarsis es harto conocido. El arte como medio para el cambio social es algo que siempre ha estado ahí, pero no se le ha dado la suficiente importancia. Yo no sé si a todos los que asistimos ese día a la inauguración, la obra de Katia caló de tal forma que los hizo reflexionar sobre la inmensa necesidad de tener mayor conciencia de las cosas que ocurren al margen de nuestras vidas. Tampoco sé si necesariamente todo el arte debe llamar a una reflexión, pero definitivamente sí es válido como medio para generar cambios de pensamientos, y lo más difícil, de actitudes.

No pienso decir acá lo que es arte o no, pero sí creo que expresiones artísticas que buscan criticar a los gobiernos, las que buscan alertarte sobre el calentamiento global, las que te muestran el horror de las guerras y aquellas, como la obra de Katia, que buscan sensibilizarte frente a tu prójimo, buscan en general lo mismo: el cambio social, y eso las valida.

30.9.08

BREVES: MANIOBRAS, BLOG DE POLÍTICAS CULTURALES / 7 ENSAYOS, 80 AÑOS DESPUÉS / RUPAY / ESCUELA NUEVA, TAREA DE TODOS.

MANIOBRAS es el nuevo blog sobre políticas culturales en el Perú. Esta plataforma es editada colectivamente por Santiago Alfaro Rotondo, Adriana Arista Zerga, Giuliana Borea Labarthe, Guillermo Cortés, Mauricio Delfin Pacheco, Diana Guerra y Víctor Vich quienes plantean la “[…] necesidad de generar pensamiento crítico y articular experiencias desde diversos campos para la consolidación de proyectos integrales del desarrollo cultural del país.”

Justamente su primer post “El valor de la cultura, el valor de un ministerio” aborda un tema tan coyuntural como la promesa-ausencia de un Ministerio de Cultura. Podemos leer: “En el Perú, hasta hoy en día, ha prevalecido en las políticas públicas una visión patrimonialista e ilustrada de la cultura. Las expresiones actuales de nuestra diversidad cultural, que se crean y recrean dentro de procesos híbridos y fluctuantes, como las artes contemporáneas y las industrias culturales, no han sido objeto de gestión y promoción por parte del Estado.

[…]

Las actividades culturales contienen también un valor económico. Una parte importante de ellas se encuentran insertas en el mercado. Otras se sostienen por medio de apoyos de empresas privadas, subvenciones estatales o las autogestionan diversas asociaciones y comunidades de las que son expresión. En todos los casos, los agentes encargados de producirlas, distribuirlas y consumirlas necesitan invertir recursos por lo que conforman un sector con capacidad para contribuir a las economías nacionales.

Se puede visitar esta plataforma en el siguiente enlace.


7 ENSAYOS, 80 AÑOS DESPUÉS es el nombre de la exposición colectiva, curada por Juan Peralta Berríos, que celebra los 80 años de la publicación de los Siete Ensayos de Interpretación de la Realidad Peruana del gran amauta José Carlos Mariátegui, que será inaugurada, este jueves 2 de octubre próximo, en las salas del Centro Cultural de San Marcos (Av. Nicolás de Piérola 1222. Parque Universitario).

Esta exposición contará con la participación de Félix Álvarez, Karen Bermedo, Angie Bonino, Mauricio Delgado, Francisco Guerra García, Chistians Luna, Alfredo Márquez, Jorge Miyagui, Julia Ortiz, Guillermo Quiroz, Analucía Riveros, Julia Salinas, Carlos Tovar “Carlín”, Carlos Troncoso, Marcel Velaochaga y Marcelo Zevallos.

Como dice la nota de prensa: “Se trata de una muestra multidisciplinaria que transmite la vigencia del pensamiento crítico de Mariátegui centrado en torno a la problemática social, económica y cultural de nuestro país, muchos de ellos aún no resueltos; ahora expuestos a través de las artes visuales desde manifestaciones como el arte acción, la pintura, el collage, la propuesta objetual con reminiscencias del retablo a producción artesanal, el vídeo, la caricatura y el grabado.

Más información en el portal del Centro Cultural de San Marcos.


RUPÁY: HISTORIAS GRÁFICAS DE LA VIOLENCIA EN EL PERÚ es un relato gráfico de la guerra civil que vivió el Perú durante los años ochentas. Este documento, editado por Jesús Cossio (Callao, 1974), Alfredo Villar (Lima, 1972) y Luis Rossell (Lima 1966), fue lanzado coincidiendo con el V aniversario de la presentación del Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación.

"Este no es un libro de historia, sino de algunas historias sobre la violencia política vivida en el Perú entre 1980 y 1984" comentan sus creadores a Francisco Melgar en su columna Entre líneas de Luces de El Comercio del 21 de setiembre pasado. Donde también podemos leer “[…] Por otro lado, la combinación de expresivos dibujos y precisos documentos fotográficos, así como de febriles diálogos inventados y frías citas textuales tomadas de algunos de los personajes más célebres de la época (Abimael Guzmán, Fernando Belaunde, por ejemplo) funciona no solo como un ágil recurso estilístico, sino también como una clara representación de los discursos de dominación que se enfrentaron durante el conflicto. […].”

El texto completo se puede leer en el siguiente enlace.
Foto: Tomada de
Peru.com.

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ESCUELA NUEVA, TAREA DE TODOS es el título de la convocatoria difundida por el artista visual Lalo Quiroz, quien junto a otros artistas viene desarrollando el proyecto Escuela Nueva el cual es una plataforma crítica sobre la enseñanza superior de arte en el Perú.

Este proyecto pronto contará con un espacio virtual para discusión y reflexión sobre la catastrófica situación de la enseñanza de arte en el Perú. Tal como dice su convocatoria: “[…] Creemos que es fundamental contar con un equipo idóneo que replantee la malla curricular, teniendo en cuenta la apertura a los nuevos medios y los retos de nuestra contemporaneidad, desde un pensamiento crítico y al mismo tiempo respetuoso de nuestra cultura y tradición artística.”

Creemos que todos deberíamos asumir la responsabilidad de construir y ayudar a mejorar la situación del arte en el Perú, empecemos por hacerlo a partir de nuestras escuelas de formación, unamos nuestros esfuerzos y no permitamos que los intereses personales de unos pocos y la indiferencia de los gobiernos de turno terminen por dejarnos sin escuelas públicas que reflejen una parte importante del conocimiento y de la expresión artística de nuestro país.”

Por lo expuesto, un grupo de egresados hacemos un llamado tanto a alumnos, ex alumnos y profesores de la Escuela de Bellas Artes como al público interesado en el desarrollo de la cultura en el país, para que se sumen a esta iniciativa de rechazo ante un sistema indiferente con sus obligaciones y su población, así como a todo aquello que se construye día a día: La cultura.”

Se puede contactar a este colectivo al correo: contacto@escuelanueva.pe

3.3.08

BRUNO PORTUGUEZ: LA REVUELTA DEL RETRATO

A continuación un texto de Renato Pita Zilbert, colaborador permanente de esta bitácora, sobre la exposición “100 retratos de viento y de fuego” del artista Bruno Portuguez, que se llevó a cabo en el Centro Cultural de la universidad Nacional Mayor de San Marcos entre el 18 de enero y 18 de febrero pasado.

BRUNO PORTUGUEZ: LA REVUELTA DEL RETRATO

Por: Renato Pita Zilbert

La historia le jugo sucio al arte del retrato, digamos, a ese viejo oficio entre óleos y trementinas. Primero la cámara fotográfica desplazó un tanto al pulso retratista, y luego, la famosa era de la reproducción técnica hizo lo propio perfeccionando el desplazamiento. Inmediatamente después, el advenimiento de la posmodernidad con su peculiar y superfluo placer por la carrera de caballos de lo novedoso, arrimó un tanto más el oficio retratista hacia el vacío comercial. Solo faltaba la estocada final, cosa que quizá cumple a cabalidad la era del arte digital y los nuevos medios.

Pero el retrato vive como disciplina. Bruno Portugués (Lima, 1956) es un artista que trabaja intensamente el retrato, el retrato hecho a mano. El retrato hecho a mano no es sino el oficio de conjugar vida propia y vida otra: el pulso del retratista hacia el impulso del retratado, y viceversa. La cosa es que, ciertamente, hacer un retrato involucra el trabajo profundo de la expresión, del gesto, de la mirada que se materializa gracias al temperamento recreador sobre pinturas de luz u oscuridad.

En “100 retratos de Viento y Fuego” (enero, 2008), Bruno nos ofrece años de convicción, de fe en el retrato. Un serie de trabajos que muestran la destreza técnica en diversos materiales, como el óleo, la tinta o el carboncillo; una serie de casi cien trabajos que vuelven una y otra vez al temperamento característico Bruno: la pincelada en bloque y agitada, la intensidad encendida de los colores, los contrastes encaballados, los trazos de valor animados, las tintas fugaces de lapicero o las concretas de pincel. Además, consideremos la variedad de formatos (llegando incluso a dos miniaturas, de las cuales una es un excelente autorretrato) que simplemente ratifican la versatilidad del artista. Esta demostración técnica, aunque desigual en instantes, no deja de invitar al trabajo y al reconocimiento, avivando en todos sentidos el oficio de retrato.

Bruno Portuguez Nolasco es un artista que, ejerciendo con especial denuedo el oficio del retrato, ha encontrado un lenguaje personal sostenido en el cuerpo y color de su identidad nacional. Sus óleos (y no solo los retratos) nos han de remitir, por el gesto y color, al indigenismo de Sabogal y al socialrealismo de Pancho Izquierdo. Habría que hacer una evaluación de los óleos de este artista que no sean retratos, en ellos veremos otros motivos y por lo tanto otra faceta. La vida andina de nuestro Perú convive, a veces mágicamente, a veces apretadamente, con las necesidades estéticas de sus composiciones.

En cada retrato, Portuguez afirma las raíces nacionales de donde parte su creación. Esta afirmación, sin embargo, no se limita al plano estético. Una de las principales virtudes de “100 retratos de Viento y Fuego” es que puede considerarse un valiosísimo aporte a la memoria viva de nuestra historia colectiva. Este aporte es una memoria conciente de sí misma y de su rol histórico. En esta muestra podemos encontrar retratados realizados con maestría de Manuel Scorza, Washington Delgado, Hildebrando Pérez Grande, Julian Huanay, Máximo Damian, Jaime Guardia, Manuelcha Prado, Carlos Hayre, Teodoro Nuñez Ureta, Domingo Pantigoso, Humareda, Carlos Chino Domínguez, etc, etc, etc. Una impresionante muestra de un mundo cultural peruano de, quizá, los últimos cincuenta años. Bruno, con cada uno de estos lienzos se hace parte de ese universo que retrata, y esta exposición no es sino una confesión de parte de este humanizado Perú pintado. Entonces, las raíces nacionales de las que hablamos líneas arriba, son el basamento de esta especie de gran árbol genealógico que nos pinta Bruno con la entrañable razón y corazón de la mano. Resultado de esta unidad son, por ejemplo, los excepcionales óleos donde resaltan Vallejo y Arguedas.


Esta muestra es una confesión de parte hemos dicho, y es que se hace evidente que estamos ante un Perú original. El imaginario de la muestra está conformado principalmente por una gran cantidad de peruanos y peruanas trabajadores de la cultura, que lucharon o luchan con persistencia por este país de todas las sangres, por una realidad no tan ajena y sí más nuestra, más profundamente peruana. En ese camino retratado, Bruno desarrolla su trabajo, encontrando una especial unidad de motivo.

Por estos motivos la obra de Bruno Portuguez destaca y aporta. Su constancia en el retrato es a causa del encargo ético de la historia, el arte y la identidad nacional y no del encargo comercial, una de las principales fuentes del oficio retratista. El artista hace permanecer la personalidad en la imagen con profundo valor artístico.

Empezamos haciendo notar el desplazamiento de la creación retratista en el arte. Ahora cabría preguntarnos ¿Cuáles serían los principales aportes del retrato que, hoy por hoy, debemos tener en cuenta? El trabajo de Bruno Portuguez nos invita y aproxima al encuentro de prontas respuestas.

24.2.08

DE LA GUERRA A LA CASONA. VESTIGIOS, DESECHOS Y DESPOJOS. (Registro)

Hoy día 24 de febrero del 2008 culminó la exposición “DE LA GUERRA A LA CASONA. Vestigios, desechos y despojos”. Retrospectiva de Herbert Rodríguez en las salas del Museo de Arte del Centro Cultural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

Bajo la curaduría de Juan Peralta esta exposición evidenció la producción artística de Rodrigues desde 1975 a la actualidad, una propuesta crítica que puede ser rastreada desde el primitivismo hasta la pedagogía.

La artista visual Karen Bernedo dirigió y editó un video que hace registro a esta imprescindible exposición que acaba de culminar, video que adjuntamos a continuación:

10.2.08

GUSTAVO BUNTINX / JUSTO PASTOR MELLADO / CARLOS RUNCIE TANAKA. Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka (Registro)

Gustavo Buntinx, chofer de MICROMUSEO ("al fondo hay sitio"). Acaba de colgar hace unos días el registro de la visita guiada a Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka. Visita donde interviene Buntinx, curador de esta exposición, el teórico y curador chileno Justo Pastor Mellado y el propio Runcie Tanaka.

A continuación este registro, dividido en tres partes, y la sinopsis preparada por Buntinx, y que puede leerse en “Videos en cabina” del portal de MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").

GUSTAVO BUNTINX / JUSTO PASTOR MELLADO / CARLOS RUNCIE TANAKA
Sumballein: antología rota de Carlos Runcie Tanaka
(Visita guiada)
2006.
Video. 28:01". (Primera parte: 9:16". Segunda parte: 9:10". Tercera parte: 9:35") (Cámara y edición: Mariana Tschudi, Artchivo [www.artchivo.com])
Colección MICROMUSEO ("al fondo hay sitio").

Registro y edición de la última visita guiada a la exposición antológica de Carlos Runcie Tanaka, curada por Gustavo Buntinx y acogida por el Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos (Lima, Perú) entre mayo y julio de 2006. En el recorrido interviene también, incisivamente, Justo Pastor Mellado, el reconocido teórico y curador chileno. El video fue confeccionado por Mariana Tschudi, del colectivo Artchivo. A continuación el texto de pared que recibía a los visitantes de esa muestra (respetamos sus altisonancias tipográficas):

SUMBALLEIN es la raíz griega tras la etimología de la palabra SÍMBOLO. Con ella los antiguos aludían a la identidad surgida del acto de JUNTAR o REUNIR los fragmentos de un objeto previamente FRACTURADO para facilitar el reconocimiento mutuo de quienes custodiaban sus partes. El concepto se vincula a los RITUALES de sectas y sociedades secretas, adquiriendo incluso una connotación RELIGIOSA que se prolonga en los usos posteriores del término. Como se prolonga también en la labor de quienes hacen del QUIEBRE y RECOMPOSICIÓN de sus obras un ABISMAMIENTO espiritual y filosófico para el quehacer plástico.

CARLOS RUNCIE TANAKA (Lima, 1958) es acaso el artista peruano que con mayor rigor e insistencia ha intuido las posibilidades y DESAFÍOS de esa PRAXIS específica. Hasta el punto en que hoy es posible articular desde esa perspectiva una visión CRÍTICA de su producción tan diversa. Una "ANTOLOGÍA ROTA", como lo anuncia el título mismo de esta exposición, cuyo horizonte abarca veintiocho años de una de las trayectorias más complejas y significativas en nuestra escena. El resultado ensaya una lectura distinta de obras principalmente identificadas con la producción cerámica, cuyos sentidos aquí se hilvanan desde la experiencia reiterada del DESMEMBRAMIENTO y RECONFIGURACIÓN de sus piezas: más que una metáfora, la materialización misma –literal y figurada– de una INTENSIDAD personal y social en las vidas simultáneas del artista y del país.

Una producción que suele apreciarse por sus cualidades culturales más antropológicamente ABSTRACTAS, se ve en realidad atravesada por connotaciones HISTÓRICAS cuya dolorosa contemporaneidad, sin embargo, no cancela sino RADICALIZA sus referencialidades primeras. Piezas donde las representaciones más ARCAICAS se hilvanan con las sensaciones más descarnadamente ACTUALES. Sin perder, empero, las connotaciones otorgadas por la propia MATERIALIDAD del barro, esa materia prima y PRIMORDIAL cuya inmediatez ORGÁNICA remite a nuestra gran tradición cerámica, desde sus orígenes prehispánicos hasta su vigencia artesanal.

Temporalidades TRASTOCADAS que Runcie Tanaka pone conflictiva aunque ceremonialmente en escena mediante el rescate sistemático de piezas REVENTADAS o rotas, castigadas por el fuego o por el azar objetivo –pero de inmediato valoradas por el autor en su presencia FISURADA.

Al articular una significación ARTÍSTICA propia, ese gesto aporta también a la comprensión profunda de la DENSIDAD de nuestros procesos a lo largo de un cuarto de siglo marcado por transformaciones decisivas y VIOLENCIAS inauditas. Pocas obras como las de Carlos Runcie Tanaka ponen en tan sutil pero RADICAL evidencia las tensiones e intensidades de nuestra EXTREMIDAD cultural. E HISTÓRICA. Modernidades truncas, tradiciones rotas, comunidades hechas pedazos. Y sin embargo recompuestas en la DOLIDA dimensión UTÓPICA de estas piezas. Sumballein". (Gustavo Buntinx).



LA PIEL DE UN RÍO

La crítica de arte Elida Román hace una reflexión, en su columna de hoy domingo 10 de febrero de 2008, en Luces de El Comercio, sobre la exposición “La Piel de un Río”, curada por Christian Bendayán en el Centro Cultural de San Marcos.

EN LA CASONA (II): "LA PIEL DE UN RÍO"

Por: Élida Román


"La piel de un río: La Amazonía en el arte contemporáneo" reúne la obra de un numeroso grupo de artistas en torno al tema del título, en un nuevo emprendimiento por la revalorización de la cultura y el arte amazónicos, liderado por Christian Bendayán, artista él mismo y, en este caso, también promotor del proyecto.

En el conjunto resultante pueden distinguirse, claramente, tres orientaciones o guías en las obras presentes. La primera, los que viven con intensidad esa realidad, tratando de transmitir un mundo mágico y exuberante, donde la naturaleza parece estallar y crecer constantemente, y a la vez, se vuelve espacio común de hombre, fauna y flora en una comunión naturalmente resuelta y en un condicionamiento a usos y conductas estridentes, sensuales y desbordadas, cuando se manifiesta en los espacios urbanos. En este grupo encontramos la obra del mismo Bendayán, de Gino Ceccarelli, o la espontaneidad de Lewis Sakiray, la vivencia tan bien expuesta de Miguel Saavedra, y el mundo peculiar y asombroso de Rember Yahuarcani. La segunda opción es la de quienes, tomando contacto con este ambiente, por momentos alucinante y agobiante, pero siempre fascinante, han trasladado a un mundo simbólico esas mismas vivencias y, con instrumentos visuales de su propio mundo, han buscado la representación precisa, intensa de aquel. Aquí podemos mencionar a Armando Williams, utilizando líneas encintadas y rítmicas, volubles y continuas, individualizadas en color, o Harry Chávez con una obra que mezcla el erotismo con la ternura y donde los materiales utilizados se integran con la imagen en una conjunción afortunada, o la recreación de diseños tan precisa y lograda de Charo Noriega, y por fin, aun en su hiperrealismo perfecto, el simbolismo metafórico en las pinturas de Diana Riesco, para concluir con el trabajo estupendo de José Bedia, cubano y continental.

Y por último todos los que trataron de acercarse a un tema propuesto pero centraron la preocupación en los modos y estilos, antes que en el sentido, quizás atrapados por esa urgencia de innovar antes que expresar. En tal caso están las instalaciones propuestas en el pasillo de acceso a la sala de exposición, donde las vacilaciones y esfuerzos son notorios y el resultado, negativo. Cuando encontramos este tipo de problemas, la pregunta sobre el origen de la falla aparece de inmediato. La instalación no puede ser una acumulación o agrupación de objetos varios, dispuestos con voluntad de presencia impactante, sin lograr integrarlas a un sentido. Cuando es así, el resultado puede ser una divagación abstrusa, un gesto privado y casi íntimo, pero no llega a ser la imagen total que perturbe, inquiete y obligue al diálogo.

De todos modos, es una exposición que debe verse y, por supuesto, comentarse.

En la misma Casona también debe visitarse una breve y didáctica exposición en homenaje al aniversario del Museo de Arqueología y Antropología, sito en el mismo complejo, museo que siempre destaca por sus exposiciones de cuidada investigación e impecable ejecución.

14.1.08

BREVES: LA PIEL DE UN RÍO. LA AMAZONÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO / EL CAAC EN DEBATE / UN AÑO RECOLECTANDO

LA PIEL DE UN RÍO. LA AMAZONÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Christian Bendayán es el curador de la exposición LA PIEL DE UN RÍO. LA AMAZONÍA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO”. La cual será inaugurada este jueves 17 de enero, a las 7:30 p.m, en el Centro Cultural de la Universidad Nacional de San marcos.

“Más de una docena de artistas que utilizan la temática amazónica o materiales de esta región expondrán sus propuestas artísticas en la exposición La piel de un río. La amazonía en el arte contemporáneo. César Calvo de Araujo, Rember Yahuarcani, Lewis Sakiray, Harry Chávez, Miguel Andrade, Chiara Macchiavello y Adrián Portugal, son algunos de los artistas que participan”, es lo que podemos leer en el portal del Centro Cultural de San Marcos.

El marco musical de esta inauguración será el grupo musical arequipeño Los Chapillacs, con su repertorio de cumbia psicodélica.

EL CAAC EN DEBATE

Este martes 15 de enero, a las 7 pm, en el auditorio del MALI se realizará un conversatorio sobre la formación de las colecciones contemporáneas del Museo de Arte de Lima (MALI). El cual contará con la participación de Jorge Basadre, Gustavo Buntinx, Sharon Lerner, Natalia Majluf, Rodrigo Quijano y Jorge Villacorta.

“Como parte del programa MALI Contemporáneo, el 2007 entró en funcionamiento el Comité de Adquisiciones de Arte Contemporáneo (CAAC) del Museo de Arte de Lima, con el fin de prestar apoyo al MALI en el enriquecimiento de su colección permanente, la cual alcanzó el año pasado las mil obras producidas desde 1950. Este comité, presidido por Jorge Basadre y conformado por treinta y tres coleccionistas y amigos del museo, trabaja de la mano con los reconocidos críticos Rodrigo Quijano y Jorge Villacorta, quienes fueron designados como curadores del CAAC para el período 2007-2008.

Según Natalia Majluf, directora del MALI, ´El proceso de formación de colecciones públicas en un contexto como el nuestro es una tarea que impone exigencias distintas. Este conversatorio busca generar un espacio de reflexión sobre el proceso de constitución de colecciones y sus implicancias para la escena local y su proyección internacional´“. Podemos leer en la nota de prensa.

En el marco de este encuentro el 13 de enero del 2007 en el suplemento Dominical de El Comercio se publicó una entrevista a los curadores que dirigen el Comité de adquisiciones del MALI: Jorge Villacorta y Rodrigo Quijano. Esta entrevista a cargo del periodista Diego Otero puede ser leida aquí.

UN AÑO RECOLECTANDO

El artista mexicano Víctor Castro acaba de cumplir un año recopilando tapitas para su proyecto escultórico “Soy un recolector”.

“Lo que comenzó como un pequeño experimento es ahora un gran proyecto en camino y con muchas ganas de concluir pronto” cuenta el propio artista en su bitácora.

Además de tener un carácter lúdico, este artista fomenta el reciclaje y la cooperación: “yo creo que una persona que no te conoce, te puede ayudar” es la frase recurrente de este proyecto que anuncia novedades para este año 2008.

Se puede conocer y ver el registro de este proyecto aquí.

1.12.07

BREVES: ENTREVISTA A HERBERT RODRÍGUEZ / LA ENSABAP TIENE AHORA NIVEL UNIVERSITARIO

ENTREVISTA A HERBERT RODRÍGUEZ


Continuando con la exposición De la Guerra a la Casona: vestigios, despojos, desechos” del artista Herbert Rodríguez, hace poco inaugurada en el Centro Cultural de San Marcos (La casona), Jorge Miyagui colgó hace algunos meses en su blog una entrevista a Herbert Rodríguez, efectuada el 2001.

A continuación un par de preguntas, la entrevista completa puede ser leida aquí.

J.M. Pero, ¿hasta qué punto se puede llamar arte crítico a un arte que no tiene capacidad de transformación real en la sociedad?

H.R. La potencialidad del arte culto está en subvertir los conceptos básicos del Arte Occidental, es decir, la idea de la originalidad, de lo eterno, lo universal y la idea de la belleza, entendido como un objeto sensible que te emociona...
Entonces tu tienes acá estampados que tienden a lo que es “artesanía”, un arte subalterno pero que lo mantengo en una legitimidad en varios niveles, tanto en instalaciones como en vestimenta... También tienes murales que es arte público, tienes los collages, los ensamblajes, tienes la pintura-pintura. En esa medida yo he trabajado mi obra en contracorriente a lo que debería estar haciendo si quisiera convertirme en un artista de prestigio según los criterios de arte oficiales. Yo he hecho premeditadamente todo lo que no debí haber hecho nunca.

[…]

J.M. Tu obra tiene una vigencia plena, sin embargo hay gente que te critica haberte quedado en los 80...

H.R. Yo estoy escribiendo la historia del arte alternativo de los últimos 20 años y entre muchas conclusiones a las que estoy llegando al hacer esta reseña, que ya está en bosquejo, es que entre las que son las imágenes trabajadas por el grupo Huayco en la muestra Arte al Paso, en la galería Forum; la muestra de Arte-correo, los fanzines subterráneos, las propuestas de N.N. en la carpeta negra hay una coherencia absoluta en cuanto lenguaje gráfico, lo que es texto-imagen con un sentido irónico, de humor negro con un sentido de denuncia. Entre estas propuestas y las propuestas del fotomontaje del dadaísmo del año 19, es la misma huevada. Entonces, ¿qué me piden a mí? Tendrían que decir que seguimos siendo dadaístas pero es una mirada simplista.

LA ENSABAP TIENE AHORA NIVEL UNIVERSITARIO

En medio de la crítica coyuntura que atraviesa la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú – ENSABAP, y que nos referimos anteriormente, acabamos de recibir una muy buena noticia: la aprobación de la ley que faculta a esta escuela otorgar títulos universitarios.

Se trata de un clamor que desde hace muchos años se repetía, pero nunca se concretizaba. Esto permitirá a los egresados de esta institución acceder a estudios de posgrado y lograr una especialización mayor.

A continuación un extracto de la nota de prensa:

La Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú – ENSABAP, se dirige a la comunidad bellasartina y a la opinión pública para comunicar que el día de ayer jueves 29 de noviembre a las 14:04 horas, el Pleno del Congreso de la República ha aprobado la Propuesta Legislativa que faculta a la ENSABAP, a la Escuela de Bellas Artes del Cusco “Diego Quispe Tito” y al Conservatorio Nacional de Música para otorgar el grado de bachiller y el título profesional que permitirá a los egresados acceder a estudios de post grado (Maestría y Doctorado) en el país y en el extranjero, así como ejercer la docencia universitaria.

20.11.07

RESISTENCIAS CREATIVAS: visibilizando la disidencia

En el marco del “II FORO DE DEMOCRATIZACIÓN GLOBAL. La (re) invención de la política desde América Latina Política, democracia radical y movimientos sociales”, el artista Jorge Miyagui es el organizador y curador de “RESISTENCIAS CREATIVAS: visibilizando la disidencia. Acercamientos en torno al arte, la democracia y la transformación social”.

Este encuentro incluye conversatorios, exposiciones, proyecciones y otras actividades que tomarán como escenario el Centro Cultural de San Marcos del 21 al 23 de noviembre.

A continuación la nota de prensa.

“RESISTENCIAS CREATIVAS: visibilizando la disidencia”
Acercamientos en torno al arte, la democracia y la transformación social

(Dentro del II Foro de Democratización Global)

21, 22 y 23 de noviembre
Centro Cultural San Marcos
Parque Universitario

Organiza: PROGRAMA DEMOCRACIA Y TRANSFORMACIÓN GLOBAL

Más información: http://www.democraciaglobal.org

Estas actividades en torno a la reflexión cuestionadora desde el arte acogen la mirada crítica de artistas peruanos contemporáneos en cuyas obras podemos apreciar una serie de interpelaciones desde las nuevas subjetividades, condicionadas por las distintas dinámicas y procesos sociales de resistencia por las que ha pasado el país en los últimos años.

Existe en nuestra historia reciente del arte contemporáneo una vertiente que se puede llamar “crítica”, “alternativa” y/o “contracultural”, consolidada por experiencias concretas en donde el arte y la cultura han sido plataformas para la transformación social y para el desarrollo de una comunidad. Generalmente han salido de los circuitos oficiales de distribución de arte, entendiendo la dinámica cultural no sólo a partir de sus productos sino de los procesos que pueden generar.

L@s artistas que participan en esta muestra han estado comprometidos en este tipo de experiencias alternativas y contraculturales (Foro de la Cultura Solidaria, Centro Cultural El Averno, Festival Arte sin Argollas, Fiteca, etc.) y en sus obras podemos leer la intersección de todos esos distintos ámbitos de coexistencia, desde los más privados e íntimos, hasta los más públicos y sociales.

Se trata de generar un espacio plural e interdisciplinario que acogerá a artistas de formación académica, artistas de la contracultura urbana, artistas del graffiti, artistas artesanos. A través de estas distintas miradas podemos echar luces sobre la complejidad que nos compone y nos relaciona con el mundo: las maneras creativas como resistimos, desde el espacio de la memoria, de la cultura popular, del género, desde toda construcción democrática.

Jorge Alberto Miyagui Oshiro


MUESTRA DE ARTES VISUALES:
Teodoro Ramírez, Alfredo Márquez, Herbert Rodríguez, Wilder Ramos, Aurelio de la Guerra, Elio Martuccelli, Miguel Lescano, Jorge Miyagui, Alejandro Jaime, Centro Cultural La Nada , Julia Salinas, Julia Ortiz, Milton Miranda, Javier Vargas, Lalo Quiroz, Nancy Viza, Proyecto Monumenta, El Colectivo, SEF, Carlos Troncoso, Augusto Chávez, Orestes Bermúdez.

PROYECCIÓN DE VÍDEO:
Poéticas Visuales de la Resistencia , Karen Bernedo, Milton Miranda, Javier Vargas, Christian Alarcón, Foro de la Cultura Solidaria , Colectivo Aguaitones, Carlos Troncoso.

INTERVENCIÓN DEL PATIO DE CIENCIAS:
Colectivo Ambre, Lalo Quiroz, Karen Bernedo, Jorge Miyagui, Paloma Rosales, Programa Democracia y Transformación Global.

MESAS DE DEBATE: CULTURA Y REINVENCIÓN POLÍTICA
ARTE Y TRANSORMACIÓN SOCIAL – Viernes 23, 3:00-4:30
Soraya Lizzardino - Lesbian Band (Argentina)
Mónica Carrillo (Perú)
César Ramos (Perú)
César Escuza (Perú)

PEDAGOGÍAS EMANCIPATORIAS, COMUNICACIÓN ALTERNATIVA Y ARTE TRANSFORMADOR - Viernes 23, 5:00-6:30
Chalena Vásquez - Antropóloga (Perú)
Herbert Rodríguez - Educador y artista (Perú)
Paul Maquet - Comunicador (Perú)


30.10.07

ARTES PLÁSTICAS, CURRÍCULO Y DIVERSIDAD CULTURAL, LOS RETOS DE LA ACTUALIZACIÓN

Conferencia
ARTES PLÁSTICAS, CURRÍCULO Y DIVERSIDAD CULTURAL, LOS
RETOS DE LA ACTUALIZACIÓN

A cargo de Herbert Rodríguez

Jueves 08 de noviembre
Hora: de 12 m.
Lugar: Facultad de Arte de la PUCP (Aula I – 112)

Martes 13 de noviembre
Hora: 7 p.m.
Lugar: Centro Cultural de San Marcos (ex Casona)
Parque Universitario s/n, Lima
INGRESO LIBRE


“la cultura debe ser considerada como el conjunto de los rasgos distintivos espirituales y materiales, intelectuales y afectivos que caracterizan a una sociedad o a un grupo social y que abarca, además de las artes y las letras, los modos de vida, las maneras de vivir juntos, los sistemas de valores, las tradiciones y las creencias”
(UNESCO, 2001)

En la conferencia “Artes plásticas, currículo y diversidad cultural, los retos de la actualización” Herbert Rodríguez, artista plástico de amplia trayectoria, presentará las conclusiones de su investigación “De la Forma a la idea, arte internacional y local de la modernidad a los nuevos modelos culturales” en relación con la educación artística.

Herbert Rodríguez plantea que la noción amplia de cultura nos permite entrar en diálogo con la Historia del Arte y realizar un proceso de apropiación crítica de los sistemas de producción especializada que son las tecnologías, las ciencias, artes y diseños pertenecientes al proceso civilizatorio o de occidentalización.

Objetivos de su conferencia son: a) presentar información sobre los estilos del arte europeo y local en el tiempo b) presentar referentes internacionales del Arte Crítico limeño; c) evidenciar la relación entre “currículo modernista” y los “Elementos del Lenguaje Plástico Visual”; d) proponer un currículo de arte basado en el valor positivo de la diversidad que articule los aportes de la pedagogía constructivista, la propuesta “triangular” (producción, apreciación y contexto) y el Arte Crítico limeño.

Mayor información escribir a: herbertperu@yahoo.com