LA OPINIÓN DEL "MAESTRO" DE SZYSZLO

"Museo de Arte de Lima es una galería", es lo que dice el artista Fernando de Szyszlo en una breve nota aparecida el día 29 de noviembre pasado en el diario limeño Perú21.

Estas declaraciones, recogidas por Carlos Chávarry Valiente, ponen en evidencia la postura totalmente burguesa, conservadora y propia de quien en 1975 fue el mayor crítico al otorgamiento del Premio Nacional de Cultural al artista ayacuchano Joaquín López Antay.

De Szyszlo, utiliza el respaldo de quienes lo consideran un “maestro” del arte peruano, para dejar en claro, siempre que puede, su punto de vista totalmente atemporal y redundante. Su visión del arte peruano termina en el arte moderno, con el Grupo Espacio y con sus coetáneos.

“Es simple: un museo, en principio, es el depositario del arte de un país. Y el MALI debería ser un depositario del arte peruano. El patronato que se formó para su creación tenía esa idea: mostrar los dos mil años de nuestro arte”, afirmaciones con olor a naftalina y cuestionables totalmente. Un museo actualmente es un punto de encuentro, un lugar que genera memoria, que construye vínculos con su entorno, que apoya en la educación escolar y universitaria, que genera creatividad y desarrollo, entre otras funciones que debe tener un museo en la actualidad.

En un contexto donde el Museo de Arte Contemporáneo (MAC-Lima) sigue en construcción, y donde no existe un Museo de Arte Latinoamericano en el Perú, es muy saludable la apuesta del MALI por gestar una colección de arte contemporáneo y tener una mirada al arte latinoamericano. Una apuesta contemporánea, que en el sentido amplio de la palabra debería-tiene que incluir al arte tradicional.

En fin, se trata del enunciado de un artista que después de muchísimos años mantiene una postura políticamente incorrecta.

Foto: Retablo de Joaquín López Antay. Madera, pasta y tela encolada. c1960. Colección Museo de la Cultura peruana.

TRIENAL DE CHILE / Cap. 2 Entrevista a Gustavo Buntinx / MICROMUSEO ("al fondo hay sitio")

Como ya antes habíamos mencionado, el 5 de octubre pasado se inauguró en distintos espacios de Santiago la Trienal de Chile. Este evento, enmarcado en las celebraciones del Bicentenario de este país, viene contando con la presencia de la exposición: “Lo Impuro y lo Contaminado 3. Pulsiones (Neo)Barrocas en las Rutas de Micromuseo”, curada por Gustavo Buntinx.

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Esta exposición es de lejos uno de los puntos a resaltar en un contexto donde esta primera Trienal ha pasado casi desapercibida en Chile. Un afán de internacionalización que tácitamente ha despreciado el impacto local.

EL 15 de noviembre pasado se publicó en el diario El Comercio una importante y pertinente entrevista a Gustavo Buntinx, chofer-curador del proyecto MICROMUSEO (“al fondo hay sitio”), a cargo de Diego Otero, entrevista que copiamos a continuación.

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Arte peruano contemporáneo en Chile

Entre la violencia y lo sagrado.

“Lo impuro y lo contaminado III”, quizá la más amplia y arriesgada muestra de arte peruano contemporáneo fuera de nuestras fronteras, se exhibe estos días en Santiago, como parte de la Trienal de Chile”.

Por: Diego Ottero

Interrogado acerca de la incidencia que están teniendo en los últimos años las manifestaciones artísticas amazónicas, Buntinx dice: “El nuevo fulgor selvático deriva (entre tantas otras razones) de la conjunción de emergencias. En los dos sentidos del término: crisis y erupción. Hay una necesidad histórica y cultural de incorporar también “el cuerpo de la Amazonía” a nuestro gran mestizaje final. El tema, sin embargo, es la relación de todo ello con las vertientes de sofisticada erudición teológica resumidas en Lima por proyectos como el de A Imagen y Semejanza. Contra ciertas apariencias, Micromuseo percibe en estos desarrollos paralelos los opuestos complementarios de una misma sensibilidad de época, una sensibilidad (neo)barroca de importancia análoga para nuestros tiempos a la que el pop achorado alcanzó durante los inicios de la década de 1980 con las propuestas del taller E.P.S. Huayco y desarrollos asociados. Es interesante el que esos dos recorridos artísticos —el pop achorado, el (neo)barroco— marcan y enmarcan los preliminares y el epílogo de nuestra reciente guerra interna. Tal vez no deba sorprender el que en ambos casos la imaginería determinante sea religiosa. Incluso en los derroches lascivos que suelen recorrer lo tecnotropical andino: nuestro arte más lúbrico suele ser también el más místico. El más espiritual y político. A su sesgada manera”.

Desde el mes pasado, Chile celebra el bicentenario de su independencia con la primera edición de una Trienal artística, con la curaduría general de Ticio Escobar, que es un crítico muy importante, actual ministro de Cultura de Paraguay. La Trienal de Chile es un puñado de grandes muestras desplegadas a lo largo de todo el país, y articuladas en torno a dos ejes principales: los límites del arte y lo local. Una de esas muestras, ubicada en un lugar de preferencia —las instalaciones del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago—, es “Lo impuro y lo contaminado III. Pulsiones (Neo)Barrocas en la ruta de Micromuseo”, cerca de trescientas piezas que ofrecen un recorrido reflexivo —radical, polémico, muy vital— por los caminos de la producción artística peruana en las últimas décadas.

Desde las propuestas eruditas y cuestionadoras del proyecto “A imagen y semejanza” hasta las estridencias tropicales y lascivas del pintor Lu.Cu.Ma. Desde la sofisticación monumental de un cuadro de Moico Yaker o una instalación de Runcie Tanaka hasta un inquietante helicóptero artesanal hecho con huesos o una escopeta “hechiza” de un rondero ayacuchano muerto por Sendero Luminoso. Para Gustavo Buntinx, cabeza de Micromuseo —suerte de soporte alternativo para la preservación y promoción de arte peruano— y curador de esta muestra, “la sexualidad y la teología exacerban y trastocan las relaciones establecidas entre arte y política, arte y violencia, arte y religión”. Y “Lo impuro y lo contaminado III” da fe de ello.

¿Bajo qué criterio se planteó la notoria ampliación de la muestra en relación con lo que se vio en “Lo impuro y lo contaminado II”, en Valencia, España?

Hay sobre todo una intensificación de los sentidos propuestos. Una radicalización, en las dos acepciones del término: llevar las cosas a sus extremos es también devolverlas a sus raíces. Era necesario este desborde, este exceso, para darle una plenitud nueva a nuestras propuestas de una musealidad mestiza. Una musealidad promiscua donde lo llamado artesanal, lo supuestamente artístico, lo (semi)industrial o incluso lo documental coexisten sin jerarquías. También lo prehispánico y lo moderno, lo colonial y lo contemporáneo, en asociaciones ilícitas, insólitas, pero no ajenas a las que ofrece nuestra vivencia permanente de simultaneidades aparentemente inconexas.

Tú defines la producción que se articula en torno a “Lo impuro y lo contaminado” como “pulsiones (neo)barrocas”. ¿Por qué crees que esta “sensibilidad (neo)barroca” predomina en las manifestaciones culturales del Perú actual?

El nuestro es un horror al vacío dejado por los desastres de la guerra y de la dictadura que marcaron las dos traumáticas décadas iniciadas con el principio de la violencia en 1980. De ese abismo surgimos obligados a confrontar y asumir nuestras tantas contradicciones, aprendiendo a ya no reprimir sino productivizar la diferencia. Vivir feliz todas las patrias, como quería Arguedas, implica la integración de lo distinto, incluso la coexistencia de lo irreconciliable. En esa tarea sensible mucho ha ayudado la matriz barroca de una cultura nuestra marcada por la continuidad tanto como por las rupturas. De allí mi insistencia en colocar entre paréntesis el prefijo característico en el uso globalizado del término (neo)barroco.

Sueles hablar de “cultura material” en oposición a “producción artística”, planteando así la idea de una desjerarquización. Pero por otro lado dices que el motivo de fondo no es “reprimir sino productivizar las diferencias”. ¿Podrías explicar esa aparente contradicción?

En ciertas situaciones actuales el modo de exacerbar la diferencia es colapsándola. Por eso planteamos que la propia denominación “Museo de Arte Contemporáneo” es una contradicción en términos: para ser genuinamente contemporáneo, el museo tiene que renunciar a cualquier vocación exclusiva por lo artístico. Micromuseo no es un museo de arte sino de cultura material. En nuestras propuestas el arte es una porción inevitable pero desjerarquizada de un conglomerado fáctico y simbólico más complejo que confronta y subvierte y trastorna esta categoría tan mistificada. Es lo que denominamos estrategias friccionarias.

Micromuseo propone fricciones creativas entre lo que tú llamas la “pequeña burguesía ilustrada” y lo “popular emergente”. Cómo es la dinámica de esas fricciones, ¿son realmente horizontales o reproducen las fisuras que hay en otras esferas de la sociedad?

Como en las relaciones sexuales, no hay horizontalidad perdurable en las relaciones culturales. Es el intercambio de papeles y de posiciones el que energiza el intercambio de fluidos. Eso y la fantasía. Sin duda hay una inercia de fisuras y jerarquías en cualquier gesto que pretenda repararlas o subvertirlas, pero también una productividad distinta, un despertar erótico también en el ámbito de la cultura y de lo social. Quisiera pensar que, más allá de las inevitables contradicciones, de los fracasos incluso, de todo esto surgirá no solo un sujeto nuevo sino también una nueva subjetividad. La belleza nueva.

Foto: David Flores-Hora

Más información:
“En el arte y el patrimonio no se respeta la diversidad”. Entrevista a Néstor García Canclini. Observatorio de medios FUCATEL.
Visitando la Trienal de Chile. Por: Fabiola Barrera Castillo. 6 Columnas.

Popurrí de imágenes fijas relacionadas a "Lo impuro y lo contaminado III: pulsiones (neo)barrocas en las rutas de Micromuseo".

LOS ESPACIOS PÚBLICOS EN LIMA Y EL PROYECTO DE CREACIÓN DE UN PARQUE DE ESCULTURAS

La ciudad de Lima sigue creciendo de manera amorfa e impersonal. Parques privatizados donde hay más cemento que áreas verdes, playas de acceso restringido, calles enrejadas, estúpidas fuentes de agua (donde se tiene que pagar para ingresar). Ejemplos sobran: La absurda renovación de la Plaza Washington, y la erradicación de tribus urbanas muy válidas en una ciudad que no tiene porqué ser impersonal. Todo esto en un contexto donde el alcalde de la Municipalidad Metropolitana de Lima, literalmente viene destruyendo la ciudad.

Iniciativas surgidas desde instituciones culturales no buscan evidenciar esta crisis. Por ejemplo: Centro Abierto; un proyecto de Alta Tecnología Andina (ATA), Fundación Telefónica, el Museo de Arte de Lima (MALI) y la colaboración de la Municipalidad Metropolitana de Lima, cuyas intervenciones de sitio específico seleccionadas tuvieron una absoluta carencia de una posición crítica, política o reflexiva de lo que representa el espacio público. Está iniciativa tuvo como ÚNICO valor instaurar la dinámica de convocatoria internacional, que no se veía desde la fenecida Bienal Iberoamericana de Lima.

Con respecto a las esculturas en espacios públicos, muchas de estas se gestan como elementos ornamentales, pero terminan convirtiéndose en elementos de propaganda. Las omnipresentes imágenes de la virgen María (el convento) y Miguel Grau (el cuartel), se encuentra multiplicadas en Lima. Contemplación y banalización del espacio público es lo que impera, no se logra entender Lima como un lugar donde se desarrollan nuestras relaciones de identidad, historia y socialización.

Sin embargo, un proyecto de por si interesante es el planteado por la Fundación Hobart, en colaboración de la Universidad Ricardo Palma y la Municipalidad de San Miguel, quien ha convocado a una nueva edición del Premio Peter & Adriana Hobart: Concurso para esculturas en un espacio público. Lo interesante de esta propuesta es la creación de un Parque de las Esculturas (algo que no existe en el Perú), que estará ubicado en la Municipalidad de San Miguel. Una propuesta que puede desarrollar la interacción dentro de nuestros parques, puntos de concentración de diversos públicos con intereses comunes y que puede vincular con la gente desde su propio entorno, directamente y sin interferencias como un instrumento de cambio social y político en nuestra sociedad.

Más información de Premio Peter & Adriana Hobart: Concurso para esculturas en un espacio público en http://www.premiohobart.com

Foto: tomada de www.centroabierto.org

26 OCT - 8.30 PM / LUNES DEL CDAPC: PORTAFOLIO DE CURADORA. TATIANA CUEVAS

El Centro de Documentación de Arte Peruano Contemporáneo (CDAPC), organiza una nueva fecha del “LUNES DEL CDAPC”, en el que presentará el PORTAFOLIO DE CURADORA: TATIANA CUEVAS, historiadora del arte mexicana y curadora de arte contemporáneo del MALI.

Este portafolio (Trasmitido en vivo a través de http://www.ccelima.org/) será presentado el lunes 26 de octubre a las 8:30 pm, en el auditorio del Centro Cultural de España (Natalio Sánchez 181, Sta. Beatriz, Lima).

Tatiana Cuevas (mexicana, residente en el Perú) es curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima (MALI). Tiene una maestría en Curaduría de arte contemporáneo de la Royal College of Art de Londres y una licenciatura en Historia del arte de la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México. Durante 2005-2008 fue curadora asociada en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo de México. En el 2004 obtuvo la beca Hilla Rebay International Fellowship de la fundación Guggenheim en Nueva York.

Entre las exposiciones que ha curado recientemente se encuentran: Postales de Lima. Una selección de la colección de arte contemporáneo del MALI, MALI-Casa Wiese, Lima (2009); Henrik Håkansson. Novelas de la selva y Thomas Hirschhorn. Stand-alone ambas presentadas en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2008); México Cabinet. Supplements to a Collective Reverie, del certamen 7 Internationale Foto-Triennale Esslingen, en Alemania (2007); y Jesús Rafael Soto. Visión en movimiento, en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo–Fundación Proa, en Buenos Aires y Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea de Bergamo, Italia (2005-2006).

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Foto: Musuk Nolte

MÁS LEJOS QUE LIMA. Una muestra individual de Sandra Nakamura en el espacio de SUCRE 101

Este jueves 1 de octubre, a las 8pm, en SUCRE 101, Barranco (el difunto espacio La Culpable) la artista peruana Sandra Nakamura presenta la muestra individual “Más lejos que Lima”.

Nakamura, una de las ganadoras de la convocatoria Centro Abierto 2009, viene articulando en el Perú una importante dinámica de trabajo en espacio público y en sitio específico.

A continuación la alerta enviada por los responsables del espacio de SUCRE 101.

"Aunque de manera casi imperceptible, Lima crece 2 km cuadrados cada mes, o si se prefiere también: la inadvertida cifra de 66. 666 metros cuadrados por día. En esa expansión sigilosa e imparable del territorio urbano, la ciudad se activa luminosamente en diversos procesos simultáneos. A través de su trabajo Sandra Nakamura ha venido observando varios de esos procesos que involucran el uso del espacio como valor y mercancía; el uso del espacio como lugar de encuentro e identidad pública; y también el espacio de la ciudad como lugar de memoria y como gran detonante de evocaciones y afectos. Los marquesinas de cines antiguos, las plazas públicas, los pequeños espacios sobre los que uno se detiene en las veredas, o las monedas como evocación del valor, pero también como medida menos evidente de contar y de medir el espacio y su tiempo melancólicamente así asediado, han sido y son parte de su interés y preferida materia prima."

TRIENAL DE CHILE / Cap. 1 Coloquios

En el marco de la Trienal de Chile, próxima a inaugurarse, se organizan una serie de coloquios que se desarrollarán en las ciudades de Santiago, Valparaíso y Valdivia.

A continuación el programa que tomamos del portal de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

El arte en diálogo y tensión con las transformaciones sociales y culturales del mundo contemporáneo

Directora: Nelly Richard

Coloquio / Santiago

Imágenes, imaginarios e imaginación crítica (6-7-8 de Octubre, Santiago)

Centro Cultural Matucana 100

Avda. Matucana 100, Estación Central, Santiago

En las sociedades de la imagen, la sobreexposición mediática de lo visual y la estetización publicitaria del cotidiano, diluyen la especificidad crítica de las formas del arte. Se torna cada vez más difuso el régimen de autonomía artística en un mundo en el que la economía y la cultura hablan el mismo lenguaje del devenir-mercancía de la imagen.¿A través de qué operaciones de sentido, de qué fuerzas generadoras de acontecimientos, es capaz el arte de desuniformar los signos del capitalismo cultural? ¿Cómo tramar lo crítico, lo político y lo estético? ¿Cómo la imaginación crítica puede dislocar la relación pasiva entre las imágenes y los imaginarios que configura la hegemonía neoliberal a través de sus industrias de la comunicación y del espectáculo?

MARTES 6
9:30-11:00 hrs.
Inauguración: Ticio Escobar (Ministro de Cultura de Paraguay, Curador General Trienal de Chile)

Nelly Richard (Directora Coloquios Internacionales Trienal de Chile, Vicerrectora de Extensión, Comunicaciones y Publicaciones U. ARCIS)

Conferencia: Fernando Castro (Universidad Autónoma de Madrid, España)

Presentación: Ticio Escobar (Trienal de Chile)
11:15 -13:30 hrs.
Adriana Valdés (U. de Chile)

Pablo Oyarzún (U. de Chile)

Carlos Pérez Villalobos (U. Diego Portales)
16:00-18:30 hrs.
Federico Galende (U. ARCIS)

Isabel García (Centro de Documentación de las Artes del Centro Cultural Palacio de la Moneda)

Roberto Amigo (Universidad de Buenos Aires, Argentina)

Justo Pastor Mellado (Curador Independiente)

MIÉRCOLES 7
9:30-11:00 hrs.
Mónica Carballas (U. de Vigo, España)

Ana Longoni (U. de Buenos Aires, Argentina)

Sergio Rojas (U. de Chile)
11:15-13:30 hrs.
María Sol Barón Pino (Pontificia Universidad Javeriana, Colombia)

María Victoria Mahecha (Co-directora de Paralelo 10, Colombia)

Sol Henaro (Investigadora/ Curadora Independiente, México)

16:00-17:30 hrs.
Conferencia: Manuel Borja (Director Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España)

Presentación: Francisco Brugnoli (Vicerrector de Extensión de la U. de Chile, Director Museo de Arte Contemporáneo MAC)

JUEVES 8
9:30-11:00 hrs.

Suely Rolnik (P. U. Católica de Sao Paulo, Brasil)

Willy Thayer (UMCE)

Marcelo Expósito (Universidad Nómada, España)

11:15-13:30 hrs.
Gustavo Buntinx (Micromuseo, Perú)

Graciela Carnevale (Artista, Argentina)

Soledad Novoa (U. de Chile / U. SEK)
16:00-18:30 hrs.
Eva Grinstein (Crítica / Curadora Independiente, Argentina)

Félix Suazo (Artista Visual, Venezuela)

Patricia Hakim (Artista, Argentina)

Marcos Figueroa (U. Nacional de Tucumán, Argentina)

Coloquio / Valparaíso

Fronteras, mapas y ubicaciones intermedias (15-16 de octubre, Valparaíso)

Consejo Nacional de la Cultura y las Artes

Plaza Sotomayor 233 (Zócalo Centro de Extensión CNCA), Valparaíso

Las definiciones del arte se han visto siempre enfrentadas a la cuestión del marco y sus límites de autonomía, siendo la institucionalidad cultural la garante de transmitir el valor-arte socialmente legitimado. Ciertas prácticas artísticas operan una crítica de las instituciones diseminando su creatividad social fuera de los trazados autorizados. Otras juegan con el dentro-fuera como una táctica oblicua para burlar las delimitaciones de campos, las pertenencias oficiales y las asignaciones fijas de nombres e identidades. La relación entre lo oficial y lo alternativo y/o independiente es el producto heterogéneo de una relación de móvil de marcas, inscripción y desplazamientos de contextos. En tiempos de globalización y descentramientos culturales, lo "latinoamericano" se repiensa como un entre-lugar, una línea de fuga que ocupa los bordes y los intersticios para des-ubicar las geografías del poder, sin calzar totalmente con un territorio o una región.

JUEVES 15
09:30-11:15 hrs.
Conferencia: Néstor García Canclini (Universidad Autónoma Metropolitana de México)

Presentación: Nelly Richard (U. ARCIS)
11:30-13:30 hrs.
Santiago García Navarro (Docente, escritor y crítico de arte independiente, Argentina)

Luis Alarcón - Ana María Saavedra (Galería Metropolitana)

Cristián Muñoz (Revista Plus, Concepción)

Mauricio Román (Espacio G)
15:30-18:30 hrs.
María Berríos (Investigadora Independiente)

Jaime Muñoz (Centro de Estudios Visuales)

Pedro Sepúlveda (Centro de Estudios para el Desarrollo Urbano DUC)

Gonzalo Rabanal (Coordinador del proyecto de performance Deformes)
19:00 hrs.
Presentación de Sobre Árboles y Madres de Patricio Marchant, Ediciones La Cebra, Buenos Aires, 2009

Pablo Oyarzún (U. de Chile)

Miguel Valderrama (U. ARCIS)

VIERNES 16
09:30-11:15 hrs.
Conferencia: Andrea Giunta (The University of Texas at Austin/ Universidad de Buenos Aires/CONICET)

Presentación: Nelly Richard (U. ARCIS)
11:30-13:30 hrs.
CADA: 30 años

Lotty Rosenfeld (Artista Visual)

Alberto Madrid (U. Playa Ancha)

Paulina Varas (CRAC Valparaiso)

Cristián Gómez (U. ARCIS)
15:30-18:30 hrs.
Gonzalo Arqueros (U. de Chile / U. ARCIS)

Guillermo Machuca (U. de Chile / U. ARCIS / U. Diego Portales)

Gabriel Peluffo (Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes, Montevideo)
19:00 hrs.
Presentación de Filtraciones II (Conversaciones sobre arte en Chile) de Federico Galende, Editorial ARCIS / Cuarto Propio, Santiago, 2009Gonzalo Díaz (U. de Chile)

Andrea Giunta (The University of Texas at Austin/ Universidad de Buenos Aires / CONICET)

Coloquio / Valdivia

Los poderes de la mirada: excluir, representar, estereotipar... ( 22-23 de octubre, Valdivia)

Sala Auditorio - Facultad de Filosofía - Campus Isla Teja

Universidad Austral de Chile, Valdivia

El campo de visión pública de lo dominante se formula en base a los estereotipos y censuras que marginan in-visiblemente a los sujetos de la exclusión. Son múltiples las operaciones políticas y territoriales que han segregado a lo indígena a lo largo de su historia de colonizaciones y persecuciones en América Latina. Una reflexión plural sobre cultura, democracia y ciudadanía exige pensar las desigualdades y las subordinaciones (de clase, género, raza y etnia, etc.) que marginan a los sujetos "otros" en el mapa de las identidades y las diferencias. Pero debe también saberse que "identidades" y "diferencias" no son categorías sustantivas sino relacionales, que dependen de las interacciones de contextos y de sus múltiples juegos de fuerza. La hibridez -como rasgo intercultural- revuelve los términos que la tradición buscaba mantener puros a través de la distinción jerárquica entre, por ejemplo, el original y la copia, lo propio y lo ajeno, lo culto y lo popular, etc.

JUEVES 22
9:30-11:15 hrs.
Conferencia: Ticio Escobar (Ministerio de la Cultura de Paraguay, Curador General Trienal de Chile)

Presentación: Oscar Galindo (Vicerrector Académico, U. Austral de Chile)
11:30-13:30 hrs.
Gonzalo Leiva (P. Universidad Católica / U. ARCIS)

Andrea Josch (UNIACC)

Nelson Garrido (ONG, Venezuela)
16:00-18:30 hrs.
Jorge Pavez (IIAM de la Universidad Católica del Norte en San Pedro de Atacama)

Rodrigo Browne (U. Austral de Chile)

Sergio Fiedler (U. ARCIS)
19:00 hrs.
Presentación de la revista Papel Máquina, Revista de Cultura, Editorial Palinodia, Santiago, 2009

Alejandra Castillo, directora revista Papel Máquina, Revista de Cultura

Oscar Galindo, Vicerrector Académico U. Austral de Chile

Gonzalo Portales, Decano Facultad de Filosofía y Humanidades, U. Austral de Chile

VIERNES 23
10:00-11:30 hrs.
Conferencia: Nury González (Directora del Museo de Arte Popular Americano MAPA, U. de Chile)

Presentación: Jorge Hernández (Director Escuela de Artes Visuales, U. Austral de Chile)
11:30-13:30 hrs.
Rodolfo Andaúr (Curador Trienal de Chile )

Yanko González (U. Austral de Chile)

Valentina Schulze (U. Austral de Chile)
16:00-18:00
Andrés Menard (U. de Chile / UMCE)

Juan Carlos Olivares (U. Austral de Chile)

Víctor Toledo (Centro de Políticas Públicas y Derechos Indígenas / U. ARCIS)

CIUDAD PIXELEADA. Columna Textos de mArte - Expreso

CIUDAD PIXELEADA

Por: David Flores-Hora

(Columna Textos de mArte - Expreso)

Lima, presentada como una ciudad latente, viva, colorida, humana y pixeleada, es la propuesta que se puede encontrar en la exposición “Miradas en Transición”, del joven artista Luis Espinoza, ganador de la última versión del concurso “Arte en Libertad” de MAPFRE.

Si referentes como Víctor Humareda y Carlos Enrique Polanco retrataron antes una ciudad deshabitada, eclipsada y bucólica. La propuesta de Espinoza pone en evidencia una visión antagónica. Esa “Lima la horrible”, que alguna vez acuñó Sebastián Salazar Bondy, es una mirada no compartida en esta exposición.

Un relato se percibe en esta galería: alguien nos habla de su idea de ciudad; alguien nos cuenta de un espacio cotidiano habitado y vibrante; alguien se presenta como un espía, un profanador que con sus cuadros presenta momentos anónimos y atemporales; ese alguien, el artista, triunfa en su objetivo, nos envuelve en una atmósfera humana y casi festiva.

La intención realista de este proyecto es atomizada por ese omnipresente pixeleado que uniformiza todo. Esto demuestra el buen manejo de los recursos técnicos por parte del artista. El apunte se convirtió en fotografías alteradas, estas fotografías se convirtieron en una proyección, y finalmente esta proyección se convirtió en un prodigioso repertorio iconográfico, en donde personas, calles, buses y maniquíes son el común denominador de una visión colectiva para todos los que conocemos, y deambulamos por el centro de Lima.

En esta exposición se puede ver un depurado trabajo museográfico, únicamente opacado por los dos videos en exhibición, los cuales son demasiado lineales, aburridos, y ciertamente innecesarios, para una muestra tan vibrante y que habla por sí sola.

Uno de los ambientes de esta galería incluye las obras ganadoras del concurso “Arte en Libertad” en ediciones pasadas. Al compararlos con los cuadros de Espinoza queda claro que existe una gran falsedad en esa frase “todo tiempo pasado fue mejor”. En tiempo de nuevos medios y donde se escucha el murmullo que habla de la muerte de la pintura, es muy significativa esta exposición, pues técnica, intencionalidad y realización forman un todo que demuestra la valía e importancia que pueden llegar a tener propuestas pictóricas como ésta.

“Miradas en Transición” es una muestra que, de facto, cuestiona el orden y la ubicación. Los retratados se nos enfrentan con su mirada o su postura, casi huyen de ese marco bidimensional. Además, cualquiera se puede sentir identificado con estas escenas urbanas. Diecinueve cuadros que casi se convierten en espejos del entorno, de cada uno. Entonces, ¿quiénes realmente son los espectadores? y ¿quiénes realmente son los retratados?.

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Foto: Canción Floreada, óleo sobre lienzo, 150 x 170 cm.
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FLORES-HORA, David
2009
“Ciudad Pixeleada”. Expreso. Seccion B. Lima, 26 de septiembre, p. 2.

ARTEBA. UNA CONVERSACIÓN CON JULIA CONVERTI, JEFA DE PROYECTOS DE ESTA FERIA

ArteBA es indudablemente la feria de arte contemporáneo más importante de Latinoamérica. Desde su primera edición en 1991 ArteBA ha reactivado el coleccionismo no solo en Argentina, sino también en otros países de la región.

En este contexto la asociación chilena Arte Contemporáneo Asociado (ACA), dentro de sus conversaciones periódicas con personajes y agentes del arte latinoamericano, invitó a Julia Converti, Jefa de Proyectos de ArteBA, para que haga un análisis de este evento y su impacto en el mercado del arte.

En este conversatorio, que se llevó a cabo en noviembre del año 2008, se puso sobre la mesa la pertinencia de realizar en Santiago de Chile una feria de arte contemporáneo, donde se relacionen artistas, galeristas, compradores, coleccionistas y el mundo de la especulación de las artes visuales.

Proyectar una feria de arte contemporáneo, es también proyectar un mercado del arte contemporáneo, educarlo y establecer un nexo con agentes cercanos con grupos empresariales o el gobierno. En este sentido es muy importante el ejemplo de ArteBA pues a lo largo de sus 17 ediciones se ha trascendido lo meramente galerístico.

El Premio de Arte Petrobras o Barrio Joven son algunas de las actividades que forman parte de esta feria y que sistemáticamente vienen presentando artistas y espacios jóvenes en tiempo y propuestas.

A continuación el registro de esta conversación, dividido en ocho partes.

YURI SONCCO: GENERANDO UN CAMBIO EN LAS PUERTAS DE LAS FLORES. POR: SONIA PÉREZ UNZUETA

En el marco de la exposición YURI SONCCO "En la Puerta de las Flores", de la artista Katia Céspedes, a continuación un texto de Sonia Pérez Unzueta que hace una reflexión sobre esta muestra inaugurada el pasado 6 de febrero en el Centro Cultural de San Marcos.

Yuri Soncco: Generando un cambio en las puertas de las flores

Por: Sonia Pérez Unzueta

Llegué a la inauguración de la exposición Yuri Soncco “En las puertas de las flores”, con el ánimo de observar piezas escultóricas creadas a partir de la experiencia de la artista, Katia Céspedes, con niños que padecen la grave enfermedad de la anemia aplásica. Sin embargo, más allá de ver las piezas, me detuve a descubrir con desgarro las historias de muchas familias que han pasado por la pérdida de sus pequeños hijos.

El arte como medio de catarsis es harto conocido. El arte como medio para el cambio social es algo que siempre ha estado ahí, pero no se le ha dado la suficiente importancia. Yo no sé si a todos los que asistimos ese día a la inauguración, la obra de Katia caló de tal forma que los hizo reflexionar sobre la inmensa necesidad de tener mayor conciencia de las cosas que ocurren al margen de nuestras vidas. Tampoco sé si necesariamente todo el arte debe llamar a una reflexión, pero definitivamente sí es válido como medio para generar cambios de pensamientos, y lo más difícil, de actitudes.

No pienso decir acá lo que es arte o no, pero sí creo que expresiones artísticas que buscan criticar a los gobiernos, las que buscan alertarte sobre el calentamiento global, las que te muestran el horror de las guerras y aquellas, como la obra de Katia, que buscan sensibilizarte frente a tu prójimo, buscan en general lo mismo: el cambio social, y eso las valida.

BREVES: CITA A CIEGAS EN EL CUSCO / ARTISTA POSTER BOY ESTARÍA TRAS LAS REJAS

Cita a Ciegas. Es el Encuentro Internacional de Performance que desde el 1 de febrero se viene llevando a cabo en la ciudad del Cusco y es el encuentro de artistas e investigadores de Alemania, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Holanda, Israel, Perú y Suiza.

En la bitácora de Epicentro Cusco podemos leer los causales de este encuentro:

“[…], surge como una iniciativa de autogestión artística que, con visión crítica frente al enfoque económico desarrollista de la globalización y perspectiva de responsabilidad global profesional, tiene la vocación de integrar una red de activadores socioculturales latinoamericanos mediante asociaciones estratégicas para la creación, producción, investigación y difusión de las artes y las ciencias sociales.”

Entre los múltiples proyectos que se vienen llevando a cabo en Cita a Ciegas vale la pena mencionar la propuesta de la artista peruana Guadalupe Arango quien con la serie de vídeos – performances "Venidadeamérica” pone en evidencia la feminización de las migraciones sudamericanas a Europa, una migración desde la visión de la propia artista quien se encuentra autoexiliada en España, donde factores como sufrir el desarraigo, educar a los hijos vía el Internet y posteriormente traerlos al nuevo país marcan indudablemente nuevas dinámicas y características en muchas familiares de países en vías de desarrollo como el Perú.

Cita a Ciegas continúa con performances, talleres, conferencias y conversatorios de lunes a domingo de 9:00 am a 9:00 pm hasta el 28 próximo en lugares públicos y privados, abiertos y cerrados. Las actividades son absolutamente gratuitas y de participación libre para los ciudadanos de Cusco y los visitantes de la ciudad.

Más información bitácora de este encuentro.

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POSTER BOY es el nombre con el que se conoce al afamado artista neoyorkino que habría sido detenido hace pocos días en Nueva York acusado de vandalismo.

Este artista es conocido por utilizar como herramienta una cuchilla para cortar y pegar los anuncios y la publicidad de las calles, estaciones y vagones del metro. Con toda la carga de sorpresa y descontextualización que esto originaba al observador.

Así define a este artista una nota del 6 de febrero pasado del diario argentino El Clarín:

“Poster Boy, una especie de Zorro anti-consumo con hojita de afeitar, sentido del humor y talento para el collage, se hizo conocido por cortar y pegar imágenes presentes en avisos publicitarios. Su técnica consiste en reincorporarlas luego bajo un nuevo contexto, generalmente, haciendo una crítica social o de la publicidad. Las estaciones del subte se convirtieron en galerías públicas de sus obras.”

En este mismo nota El Clarín informa que el sábado 31 de enero pasado, en un evento artístico de SoHo, Poster Boy habría sido detenido por policías encubiertos. Su verdadera identidad sería Henry Matyjewicz, de 27 años y residente de la ciudad de Brooklyn.

Esta detención, además de disparar la fama de este artista, ha despertado el debate entre el límite del arte, vandalismo y propiedad privada.

Más información:

-El famoso artista del graffiti de Nueva York estaría tras las rejas. El Clarín. 06 de febrero del 2009.
-Spending Time With Poster Boy

Foto 1. Stills tomado del video Aclimatándome - Call me later! del proyecto Venidadeamérica.
Foto 2. Imagen tomada de Flickr Poster Boy.